«Место. Действие»

Работа является документацией перформанса художницы, снятого в стерильном заснеженном пространстве карьера. Несколько камер снимают застывший немой ландшафт, в котором полное отсутствие человеческого присутствия и признаков какого бы то ни было течения жизни превращают его в почти что искусственную, виртуальную среду.

Мертвенную немоту заснеженного пространства нарушает крик художницы. Ее появление в кадре и звук голоса становятся манифестом самопровозглашения человека в среде, в которой как будто нет места ни человеку, ни крику.

Лиза Бобкова — современная художница, выпускница Санкт-Петербургской художественно-промышленной академии им. А. Л. Штиглица. Работает с металлической скульптурой, инсталляцией, графикой и мультимедиа.

Участница международных резиденций Cité Internationale des Arts (Париж, 2016) и Art Hub (Абу-Даби, 2017), победительница конкурса Digital Dreams Cultural Creative Agency Qatar-Russia (2020). Работы художницы находятся в собраниях Aksenov Family Foundation, Limonov Art Foundation и других частных коллекциях. 

 «Я создала образ, говорящий о единстве всех людей, которые – независимо от цвета кожи, социального статуса, состояния, возраста – равны. Все равны перед Творцом. Мы все уникальны, и в этой своей уникальности мы равны перед Богом.»

В перформансе «Равенство» приглашённые статисты, заранее сообщившие свой рост, встают на составленные в ряд табуретки разной высоты: высота ножек подобрана так, чтобы нейтрализовать разницу в росте. Головы и лица участников образуют ровную горизонтальную линию — как если бы все были одного роста. Так автор обыгрывает иллюзорность социального равенства и демократии: внешнее выравнивание лишь маскирует реальные различия в условиях жизни людей. Перформанс был реализован в нескольких городах — Париже, Москве, Санкт-Петербурге, Бергене и Амстердаме. На выставке представлена версия, снятая на Дворцовой площади в Санкт-Петербурге.

Елена Ковылина -российская художница-перформансист, искусствовед, куратор; лауреат Государственной премии в области современного искусства «Инновация» (2006) и Государственной премии Российской академии художеств «Против течения» (2014).

В своём творчестве продолжает традицию российского радикального перформанса 1990-х. Художница чаще всего обращается к социальным темам, испытывает собственное тело и провоцирует зрителя. В 2018 году вошла в Российский инвестиционный художественный рейтинг 49ART, представляющий выдающихся современных художников в возрасте до 50 лет.

«В эти мрачные дни я жду, когда появятся большие волны. Наконец-то они пришли. Незадолго до восхода солнца я прошу кого-нибудь привязать меня к толстой доске так, чтобы мои лодыжки и запястья были крепко скованы; затем я укладываюсь плашмя на песок. Наступает прилив, и каждая следующая волна увлекает меня всё дальше и дальше. Пока я пытаюсь выжить, медленно, но верно мои плечи, локти, бедра и лодыжки покрываются ссадинами и царапинами.

„Pão de arara“, или „попугайная палка“, — классический метод пыток для рабов, который применялся португальцами с XVI века. В новейшей истории страны он входит в арсенал пыток бразильских спецподразделений (порт. „BOP“) — тех, кто отвечает за разгон массовых беспорядков, борьбу с наркотрафиком и другие сложные задачи по обеспечению правопорядка. „Pão de arara“ — это инструмент, подавляющий волю. Единственное, что продолжает функционировать в человеческом теле, — это голова, в то время как остальные части тела не могут двигаться или воплощать свои желания в жизнь. Эта поза имеет особое значение для моего творчества, поскольку в нескольких моих перформансах я превращался в бестелесную голову.»

Временные Памятники (2014−2017) — серия из семи длительных перформансов Федора Павлова-Андреевича, посвященная историческим и современным формам рабства. Каждый семичасовой перформанс обращается к одному из эпизодов насилия над рабами в Бразилии, превращая тело художника во временный памятник коллективной памяти.

Федор Павлов-Андреевич — российско-бразильский художник, работающий на стыке перформанса, видео, скульптуры и партизанских акций. Исследует взаимодействие произведения искусства и зрителя.

Его работы были представлены на выставках под кураторством Ханса Ульриха Обриста, Клауса Бизенбаха и Марии Балшоу. Персональные выставки были представлены в Palais de Tokyo в Париже, на Биеннале Меркосур в Порту-Алегри, в Design Museum и Colnaghi Gallery в Лондоне, на Винзаводе в Москве. Его работы находятся в собраниях Музея искусств Рио (MAR), Blavatnik Family Foundation (Лондон) и ММОМА, а также в частных коллекциях по всему миру.

«Я ищу выжженное рисовое поле с красивым, странным, одиноко стоящим деревом. Нахожу бескрайнее поле с наполовину зеленым, наполовину сухим деревом. Я привязываю себя к нему, обвязав правую лодыжку веревкой за одну из ветвей, и повисаю вниз головой. Висеть так долго — невыносимая боль. Каждые несколько минут я меняю ноги и снова повисаю вниз головой. 

Рабы раньше выживали, вися так более 24 часов, и иногда получали помилование. Скандинавский бог Один, как известно, тоже висел вниз головой на священном дереве, которое также было наполовину зеленым, наполовину сухим — в течение 9 дней и 9 ночей, чтобы проникнуть в мудрость рун. А еще есть другой символ — «Повешенный» из колоды Таро. Он является одним из важнейших символов в колоде и относится к Старшим Арканам: «Повешенный изображает человека, подвешенного вниз головой на живом Мировом Древе, укорененном в подземном мире и поддерживающем небеса». Это карта полной сдачи, застывания во времени, мученичества и самопожертвования во имя высшего блага. Перформанс заканчивается, как только мои ноги становятся синими и чёрными.»

Временные Памятники (2014−2017) — серия из семи длительных перформансов Федора Павлова-Андреевича, посвященная историческим и современным формам рабства. Каждый семичасовой перформанс обращается к одному из эпизодов насилия над рабами в Бразилии, превращая тело художника во временный памятник коллективной памяти.

Федор Павлов-Андреевич — российско-бразильский художник, работающий на стыке перформанса, видео, скульптуры и партизанских акций. Исследует взаимодействие произведения искусства и зрителя.

Его работы были представлены на выставках под кураторством Ханса Ульриха Обриста, Клауса Бизенбаха и Марии Балшоу. Персональные выставки были представлены в Palais de Tokyo в Париже, на Биеннале Меркосур в Порту-Алегри, в Design Museum и Colnaghi Gallery в Лондоне, на Винзаводе в Москве. Его работы находятся в собраниях Музея искусств Рио (MAR), Blavatnik Family Foundation (Лондон) и ММОМА, а также в частных коллекциях по всему миру.

«Около 22:00 я приковываю себя велосипедным замком к уличному столбу в районе Фламенго в Рио-де-Жанейро, напротив заброшенного высотного здания. Этим действием я воспроизвожу эпизод, произошедший пару лет назад, когда так называемые „стражи порядка“ наказали 14-летнего уличного грабителя, избив его почти до смерти, отрезав половину уха, раздели его догола и приковав ровно к этому уличному столбу велосипедным замком. Мальчика освободили только около 5 утра, когда местная школьная учительница Ивонн Безерра вызвала пожарных, которым удалось взломать велосипедный замок и отвезти его в больницу.

Мой эксперимент привёл к иному результату: каждые 5 минут машины с местными жителями останавливались, чтобы попытаться помочь, освободить меня или просто поднять мне настроение. Ко мне много раз приезжали полиция и пожарные. Я не произносил ни слова и делал вид, что не замечал всей этой суматохи. Это весьма разочаровывало моих потенциальных спасителей — ergo, гринго страдать не положено. Мой перформанс закончился ранним утром с прибытием BOP, отряда военной полиции. С их визитами никогда не стоит шутить, поэтому я сдался и обрел свободу.»

Временные Памятники (2014−2017) — серия из семи длительных перформансов Федора Павлова-Андреевича, посвященная историческим и современным формам рабства. Каждый семичасовой перформанс обращается к одному из эпизодов насилия над рабами в Бразилии, превращая тело художника во временный памятник коллективной памяти.

Федор Павлов-Андреевич — российско-бразильский художник, работающий на стыке перформанса, видео, скульптуры и партизанских акций. Исследует взаимодействие произведения искусства и зрителя.

Его работы были представлены на выставках под кураторством Ханса Ульриха Обриста, Клауса Бизенбаха и Марии Балшоу. Персональные выставки были представлены в Palais de Tokyo в Париже, на Биеннале Меркосур в Порту-Алегри, в Design Museum и Colnaghi Gallery в Лондоне, на Винзаводе в Москве. Его работы находятся в собраниях Музея искусств Рио (MAR), Blavatnik Family Foundation (Лондон) и ММОМА, а также в частных коллекциях по всему миру.

«Мое письмо — это инструкция. А за каждой работой спрятаны числа. В конце восьмидесятых мои родители ходили в кино, в серванте пылился сервиз, а моя бабушка играла со мной в шахматы. Сейчас я — самозванец и тактик, нахожусь в поисках русской готики и провожу пешку в дамки. 2014 год. Искусство как солидарность, утрата и сопротивление. В моем случае — это субъективное преломление истории. Совсем еще недавнее время теперь выглядит путано и сложно. Лето 2014 года — темная и страшная ностальгия по другому будущему. К двадцатому году нам все же удалось всмотреться в это замыленное зеркало стабильности и записаться на прием к психоаналитику. В это барочное время нам снятся сценарии конца света. Нужно начать с самого простого — с обычных вещей и движений. Упростить язык до жеста. Добиться сфокусированной ясности. Делать новое искусство.

Семейный сервиз — это символ немоты, в котором застыли политические нарративы многих поклонений. Пока официальные нарративы вымывают соль из костей истории, я ищу рифмы, синонимы и метафоры к недавнему прошлому. Нужно научиться говорить прямо, говорить дважды, трижды, и каждый раз по-разному.»

Евгений Гранильщиков — художник, автор мультимедийных проектов и кинорежиссер, выпускник Школы Родченко (мастерская Игоря Мухина). Основные темы его работ — история и место человека в исторических процессах, коллективная травма, вопросы идентичности, память и топография личного опыта.

Лауреат Премии Кандинского в номинации «Молодой художник. Проект года» (2013), в 2014 году вошел в шорт-лист Всероссийского конкурса «Инновация» в номинации «Новая генерация», участник XXXVII Московского международного кинофестиваля, Московского международного фестиваля экспериментального кино (MIEFF) и фестиваля арт-кино Kino der Kunst. Работы находятся в собрании M HKA (Антверпен), коллекции Газпромбанка и других частных собраниях.

«То, чем я занимаюсь, — это фиксация каких-то изменений именно там, где я есть. Мне хочется „быть“ там, где я есть, а не просто проскакивать на полном ходу.»

Видео «Белые линии на земле, черные линии на небе» — часть наблюдений за обыденной городской средой: заснеженный пейзаж с черным асфальтом, по которому рабочие тянут белые кабели, невольно превращается в графический жест. Из окна художница заметила бригаду, тянущую кабель, и взяла камеру: белые провода, рутинный труд становятся жестом, геометрией рисунка в пейзаже.

Отчасти этому взгляду предшествовала выставка Дейнеки в Третьяковской галерее, где художница увидела графику тушью — каток, весь исчерченный белыми линиями от коньков. Камера медленно фиксирует, как тяжело дается рабочим эта невольная хореография, — сопровождаемая закадровой мелодией китайской дудочки, услышанной Чернышевой в нью-йоркском метро. В финале камера поднимается вверх, и белые линии на асфальте бесшовно сменяются черными линиями проводов на фоне неба.

Ольга Чернышева — одна из ключевых фигур поколения российских художников, сформировавшегося в конце 1980-х — начале 1990-х годов, чье творчество наследует традиции московского концептуализма. Работает на стыке фотографии, видео, инсталляции, живописи и графики.

Ее метод — исследование рутинной среды и «обычного человека», которые при ближайшем рассмотрении оказываются пространством свободы и сопротивления заданным обстоятельствам.  Персональные выставки художницы проходили в Pace Gallery (Лондон), M HKA (Антверпен), The Drawing Center (Нью-Йорк) и других значимых площадках, а работы находятся в собраниях Третьяковской галереи, Русского музея и Московского музея современного искусства. 

Видеоработа Евгения Гаврилова «Симбиоз» показывает город не как совокупность зданий, дорог и прочих рукотворных объектов, а как разворачивающийся во времени нарратив — урбанистический организм, вступающий во взаимодействие с природными сущностями: растениями, животными, птицами, водоемами — со всем, что существовало здесь задолго до появления города.

Евгений Гаврилов – музыкант и аудиовизуальный художник, выпускающий музыку под псевдонимом dyad. Название dyad — музыкальный термин, обозначающий интервал из двух нот, взятых вместе, — указывает на музыкальные корни практики художника, хотя сегодня она выходит далеко за пределы работы со звуком.

Евгений — соучредитель лейбла и музыкального сообщества Echotourist. Персональные проекты Гаврилова показывались в MYTH Gallery, среди них – инсталляция Sleepers Club.

После 24 февраля 2022 года Гронский остался в Москве и с тех пор ежедневно фиксирует город на камеру — метод, который сам автор называет «ракурсом прохожего»: без пресс-карт и аккредитаций, просто гуляя по улицам по много часов в день. Автор обычно держится на дистанции от людей — они остаются частью окружающей среды, а не действующими лицами. Вместо репортажных сюжетов Гронский ищет то, что «ускользает» от журналистов, вглядываясь в билборды, надписи и обыденные детали, в которых язык и детали постоянно меняются, отражая изменения, происходящие в российской действительности. Эти детали становятся рассказчиками современной истории России.

Александр Гронский  — российский фотограф, работающий в жанре урбанистического пейзажа, лауреат международных премий в области фотографии и современного искусства.

Автор проектов «Меньше одного» (2006–2009) о малонаселенных территориях России, документального фильма «Край» (2008–2009, премия Foam Paul Huf) о заснеженной Москве как театре изолированной жизни и «Пастораль» (2008–2012) о городских пустошах, за которую Александр получил премию Aperture Portfolio и 3-е место на World Press Photo. Работы автора находятся в собраниях Foam Museum (Амстердам), Maison Européenne de la Photographie (Париж), Aperture Foundation (США) и коллекции Statoil (Норвегия).

После 24 февраля 2022 года Гронский остался в Москве и с тех пор ежедневно фиксирует город на камеру — метод, который сам автор называет "ракурсом прохожего": без пресс-карт и аккредитаций, просто гуляя по улицам по много часов в день. Автор обычно держится на дистанции от людей — они остаются частью окружающей среды, а не действующими лицами. Вместо репортажных сюжетов Гронский ищет то, что "ускользает" от журналистов, вглядываясь в билборды, надписи и обыденные детали, в которых язык и детали постоянно меняются, отражая изменения, происходящие в российской действительности. Эти детали становятся рассказчиками современной истории России.

Александр Гронский  — российский фотограф, работающий в жанре урбанистического пейзажа, лауреат международных премий в области фотографии и современного искусства.

Автор проектов «Меньше одного» (2006–2009) о малонаселенных территориях России, документального фильма «Край» (2008–2009, премия Foam Paul Huf) о заснеженной Москве как театре изолированной жизни и «Пастораль» (2008–2012) о городских пустошах, за которую Александр получил премию Aperture Portfolio и 3-е место на World Press Photo. Работы автора находятся в собраниях Foam Museum (Амстердам), Maison Européenne de la Photographie (Париж), Aperture Foundation (США) и коллекции Statoil (Норвегия).

Фотографии, как будто снятые на камеру друга, с помощью приемов генеративного ИИ морфируются, мимикрируют под реальность, в которой сдвигается оптика взгляда, создавая искаженные видения, напоминающие сон.

одноэтажная А
Дима Роткин (RTKN), Александр Цикаришвили

Александр Цикаришвили - Лидер группы «Север-7». Использует «нехудожественные» материалы — землю, мусор, объекты. Работы Александра Цикаришвили находятся в M HKA (Антверпен, Бельгия), Московском музее современного искусства, Музее Art4 (Москва), Музее искусства Санкт-Петербурга, ЦСИ им. Курехина (Санкт-Петербург) и других собраниях.

Представленная работа создана совместно с Димой Роткиным (RTKN).

«​​Я давно думаю об этом месте,
о впечатляющем сочетании, которое здесь сложилось:
‍
Старые знаки, символы
И пустота между ними
Само по себе, это уже похоже
на Россию, не хватало только слов.  Какими бы они могли быть?
понял это почти сразу, правда тогда, несколько лет назад, еще не было чувства, что эти слова сильно созвучны времени, скорее это был печальный прогноз.
‍
В декабре 2021-го они звучали уже совсем по-другому.
Стало ясно, что пора делать, началась подготовка.
‍
Тогда мне казалось, что «жить прошлым» —
это точный диагноз. 
Сегодня я думаю, что это приговор.
С праздником!"

Тимофей Радя — один из наиболее известных представителей российского стрит-арта. С 2010 года вместе с командой работает на улицах Екатеринбурга, Москвы и Санкт-Петербурга, а также Нью-Йорка, Парижа, Берлина и других городов. В своих работах Радя обращается как к лирическим темам, так и к острополитическим вопросам, избегает публичности и предпочитает работать в узком кругу единомышленников.

Среди самых известных его работ: "Тебя видно", "Я бы обнял тебя, но я просто текст", "Чем больше света, тем меньше видно" и “Жить прошлым”. Манифест художника "Все, что я знаю об уличном искусстве", написанный на здании завода в Санкт-Петербурге, стал финалистом Премии Кандинского в 2014 году. В 2013 году Радя получил специальный приз Stella Art на конкурсе "Инновация". Документация его работ хранится в музейных и частных собраниях.

«Вечность есть играющее дитя…» — Гераклит Эфесский, фр. B52. 

«Вечность в системе культуры понимается как нечто трансцендентное, которое выходит за границы умопостигаемой области. Обстоятельства, пожирающие жизнь, и существа, которым не полагается конца, метафорически сталкиваются в проекте «Вечность».

Метафора Вечности — это маленькая девочка, ментально противостоящая и сопротивляющаяся разрушающей силе и всегда побеждающая ее. Такова Вечность существа абсолютного, вневременного. Проект предъявляет серию смертельных обстоятельств, в которые попадает маленькая девочка, но ее «жизнь оказывается Вечностью, а смерть — лишь мигом». 

ПРОВМЫЗА — арт-группа из Нижнего Новгорода, основанная в 1998 году Галиной Мызниковой и Сергеем Проворовым. Работает на стыке видео, фотографии и инсталляции, определяя свою практику скорее как экспериментальное кино.

Проекты группы были представлены в павильоне России на 51-й Венецианской биеннале, на KunstFilmBiennale (Музей Людвига, Кельн), фестивале Hors Pistes (Центр Помпиду, Париж) и других международных площадках. Видеоработа «Отчаяние» получила Tiger Award Международного кинофестиваля в Роттердаме (2009), а проект «Три струнных квартета для одного видео» — Гран-при Премии имени Сергея Курехина (2010). Работы группы находятся в коллекциях Центра Помпиду, ГМИИ им. А. С. Пушкина, ММОМА, музея «Гараж» и других российских и зарубежных собраний.

В 2025 году Провмыза была признана «художником года» по версии по версии фонда «Cosmoscow»